Un article de Jean Lacroix : Penderecki à Salzbourg, Respighi à Rome

Le Festival de Salzbourg aurait dû, en cet été 2020, briller de tout l’éclat de sa programmation éclectique. Pour les raisons sanitaires que l’on connaît, il aura bien lieu, mais avec une affiche réduite et des dispositions liées aux circonstances. La sortie d’un CD (BIS-2287) nous donne l’occasion d’un retour en arrière et de rêver que nous étions présents dans la cité de Mozart, le 20 juillet 2018, lors du concert inaugural du Festival. Ce soir-là, l’Orchestre Symphonique de Montréal s’y produisait pour la première fois, dans une des partitions les plus emblématiques du XXe siècle, la Passion selon Saint-Luc de Krzysztof Penderecki (1933-2020), en présence du compositeur (en photographie avec l’orchestre en milieu de pochette), dont c’était l’année de ses 85 ans. On le sait : Penderecki est décédé le 29 mars dernier, après une longue maladie. Nous ne reviendrons pas ici sur cette exceptionnelle carrière musicale, située entre avant-garde (parfois extrême) et tradition, mais aussi entre inspiration profane et mysticisme. Si l’on observe bien l’ensemble de l’œuvre de Penderecki, on y constate que les partitions à tendance sacrée y figurent en grand nombre. En réalité, le compositeur, né en 1933, a vécu pendant longtemps sous le régime communiste, mais n’a jamais cessé d’affirmer sa foi et ses convictions religieuses, l’expression de ses certitudes dans ce domaine se concrétisant par des pièces aux titres évocateurs : Credo, Canticum canticorum, Magnificat, Te Deum, Requiem polonais… En 1966, la cathédrale de Munster célébrait son 700^e anniversaire ; à cette occasion, Penderecki, encore jeune compositeur, a écrit sur commande sa Passion selon Saint-Luc, créée dans le majestueux édifice le 30 mars de la même année, sous la direction de Henryk Czyz (il existe un enregistrement avec l’Orchestre de la radio de Cologne).

Destinée à un grand orchestre avec solistes et trois chœurs mixtes, cette Passion, à la fois sombre, voire lugubre, puissante et déchirante, utilise des récits en latin de Saint-Luc, des versets de Saint-Jean, des lamentations de Jérémie et des Psaumes de David dans un contexte où l’on retrouve des structures sérielles, des dissonances ou des clusters traités en mélodies de timbres. L’œuvre est très spectaculaire, à forte composante émotionnelle (elle rappelle aussi l’horreur de la seconde guerre mondiale) et ses séquences narratives, ses airs et ses chœurs, tout en contrastes, sont une expérience musicale stupéfiante. Il en existe une version de 2002 chez Naxos que nous affectionnons pour sa force incantatoire, dirigée par Antoni Wit à la tête des forces de la Philharmonie de Varsovie, de solistes et de chœurs polonais très investis. 

A Salzbourg, où l’Orchestre Symphonique de Montréal se produisait donc pour la première fois en ce 20 juillet de l’an dernier, c’est le chef japonais Kent Nagano qui officiait, avec les chœurs de la Philharmonie de Cracovie, qui chantent dans leur arbre généalogique, un récitant (Slawomir Holland) et des solistes du chant émouvants et pleins de ferveur : la soprano chaleureuse Sarah Wegener, le baryton Lucas Meachem, au timbre séduisant, et la basse Matthew Rose. Penderecki et l’Orchestre de Montréal, c’est une histoire d’amitié : le compositeur, qui était aussi chef d’orchestre, l’a souvent dirigé et des liens se sont tissés au fil des années. Quant à Kent Nagano, Américain d’origine japonaise né en 1951, il a créé un grand nombre d’œuvres contemporaines (Adams, Rihm, Eötvös, Saariaho…). Il emmène les forces orchestrales et chorales de cette aventure à l’impact sonore impressionnant dans un élan qui, au-delà de la part de la modernité assumée de la partition relie celle-ci au passé et, inévitablement à Bach, pour le message délivré et pour l’expression de la foi, qui s’engage autant sur le terrain de la souffrance du Christ que sur celui de la détresse humaine. Comme toujours chez BIS, livret exemplaire, y compris en français. Une grande version en public, qui a rencontré un succès mérité à Salzbourg. La captation en direct ajoute une dimension de participation, mais elle n’est pas toujours d’une qualité maximale. Une version complémentaire à celle d’Antoni Wit chez Naxos, dont les tempi sont pris dans une respiration plus large et que l’on qualifiera de tragique ; elle demeure prioritaire pour cette Passion.

 

Dans un tout autre registre, on ne peut passer sous silence, sous label Tactus (TC 871804), un disque consacré à des œuvres pour piano à quatre mains d’Ottorino Respighi (1879-1936). Ce compositeur italien est d’abord connu pour son triptyque où il évoque la capitale de son pays : Les Pins de Rome, Les Fontaines de Rome et les Fêtes romaines. Des partitions superbement orchestrées, hautes en couleurs et en sensations sonores, qui sont de véritables démonstrations des qualités instrumentales de ce créateur né à Bologne. Il n’est pas inutile de rappeler qu’il s’est rendu en Russie vers 1900, a été alto solo dans l’Orchestre impérial de Saint-Pétersbourg et a travaillé avec Rimski-Korsakov, ce qui explique la richesse de sa palette. Sur le présent CD, on retrouve deux de ces pages : Les Pins de Rome (1924) et les Fontaines de Rome (1916) dans leur version à quatre mains due au compositeur. Ce sont de bien agréables moments, sous les doigts de Gabriele Baldocci et Francesco Caramiello (dont on se souviendra qu’il a signé les deux rares concertos de Martucci avec Francesco d’Avalos, disponibles chez Brilliant), deux pianistes qui soulignent les nuances, les finesses et les saveurs de ces partitions. Même si l’on conviendra que l’orchestration sied mieux aux partitions dans leur paysage aux parfums incomparables, le voyage vaut le déplacement en termes de subtilité. C’est le cas aussi pour les Six petites Pièces et pour les deux suites des Danses antiques et Airs anciens, d’après des morceaux des XVIe et XVIIe siècles, dont les réminiscences anciennes ont un parfum léger et parfois badin. Un CD de fraîcheur, gravé en septembre 2016, à Ercolano (commune au pied du Vésuve où se trouvent les ruines de la cité d’Herculanum), dans la Villa Caramiello, qui date du XVIIIe siècle. Un lien avec l’un des deux pianistes, qui porte le même nom et est né à Naples ?

 

Jean Lacroix

 

 

 

La musicienne Mel Bonis racontée par le philosophe et dramaturge Frank Pierobon

Je voudrais décrire l'état de l'âme à la fois si angoissant, torturant et délicieux, où me plonge la musique - celle que j'aime - je devrais pouvoir le faire, j'ai tant éprouvé cette sensation aiguë jusqu'à la douleur, même tout enfant (je pourrais dire surtout étant enfant). C'est alors comme une agonie d'aspiration vers le bonheur, une tension de tout être sensible, cordial, vers une chose qui nous sourit et se dérobe à la fois.(Mel Bonis) 

Dans un seul(e)-en-scène que l'on a pu voir à Bruxelles pendant trois soirées à la sortie du confinement au théâtre de la Clarencière, et que l'on espère voir reprogrammé bien vite,  le dramaturge Frank Pierobon (qui est aussi philosophe et musicien),nous offre une soirée de théâtre, d'humanité et de musique. 

Le texte qu'il a donné à la comédienne Sophie de Tillesse se déroule dans une fluidité narrative et stylistique incarnant avec empathie le destin de la musicienne Mel Bonis (et à travers elle de toutes les femmes dont les vocation et talent ont été contrariés par la pression sociale qui fait prévaloir le masculin en tout ce qui est création). Il y a dans la manière d'écrire le théâtre de Pierobon, qui est aussi un musicien érudit et sensible,  un souci constant de préserver la qualité du texte et de maîtriser son expression dans une mise en scène sobre et limpide.  

L'entrelacement des trois vocations ou compétences de l'auteur (la musique, l'écriture et la philosophie) équipent Pierobon de tous les instruments nécessaire à restituer un portrait si humain, si sensible, si vrai d'une artiste, dont l'art se fracasse sur les obstacles des convenances de son siècle. On aurait aimé entendre davantage sa musique (les extraits diffusés ont enchanté la public et donné envie d'aller à la découverte d'un répertoire  dont on a entendu quelques fragments énumérés ci-dessous). Frank Pierobon évoque ici la pièce qu'il lui consacre: On redécouvre aujourd’hui avec ravissement l’œuvre de la compositrice Mélanie Bonis (1858-1937) qu’on enregistre de plus en plus. L’on s’intéresse dès lors aux péripéties de son difficile parcours et l’on prend meilleure conscience aujourd’hui de ce qu’il était pratiquement interdit aux femmes, au dix-neuvième siècle, d’exister par elles-mêmes, de décider de leur vie et de faire œuvre créatrice. Chacun(e) mesurera le chemin que les femmes auront dû parcourir pour accepter l’idée qu’elles ont le droit de décider de leur destin, le devoir de le revendiquer et l’urgence de le faire respecter. L’exemple de Mel Bonis fera prendre conscience, nous l’espérons, du rôle que l’art et la créativité peuvent puissamment jouer dans la réinvention de soi. 

On a hâte de revoir ce spectacle dans un confort de vrai théâtre (hors confinement) pour en apprécier davantage encore toutes les modulations  d'un coeur battant et apprécier avec la distance nécessaire le jeu subtil de la comédienne Sophie de Tillesse. Cette dernière qui mêle une double formation de comédienne et de cantatrice était l'artiste idéale pour ce rôle qui nécessite davantage que d'être joué. Il s'agit ici, en effet, d'incarner un destin dont l'écho nous parvient de l'au-delà, d'une âme blessée à laquelle la comédienne insuffle la force de donner le récit. 

Des enregistrements musicaux alternent avec des fragments de textes extraits d'un livre de souvenirs écrits par Mel Bonis, mais pas publiés (encore ?). ceux-ci sont mentionnés dans la biographie de Mel Bonis écrite par son arrière-petite-fille Christine Géliot ("Mel Bonis, femme et compositeur, 1858-1937", L'harmattan, 2009) 

On ne peut que recommander au lecteur d'aller voir, dès qu'elle figurera à nouveau au programme d'un théâtre ce bel éventail  d'émotions vraies que  nous offre, une nouvelle fois, le théâtre de Frank Pierobon.

Edmond Morrel, le 11 juillet 2020

On peut voir des fragments de la pièce sur un trailer.

Interprétation : Sophie de Tillesse / Texte : Frank Pierobon /Production Crescendo ASBL

 

Un article de Jean Lacroix: Deux perles symphoniques tchèques de Dvorak et Fibich

Pendant longtemps, la numérotation des symphonies d’Anton Dvorak (1841-1904), le plus éminent représentant de la musique tchèque, est apparue comme une anomalie. Comme les seules cinq dernières ont fait l’objet d’une publication de son vivant, et que cela ne respectait pas la réelle chronologie de composition, on pouvait voir, à l’époque du microsillon, le numéro 5 être accolé, sur la pochette, à celui de la Symphonie n° 9 « du Nouveau Monde », la plupart du temps entre parenthèses ! Ce phénomène s’est prolongé longtemps, alors que le musicologue Otakar Sourek avait établi la liste réelle depuis 1917 ! 

De nos jours, la situation est claire : désormais, chaque symphonie est bien à sa place dans la liste. Celle qui fait l’objet d’une gravure récente (SWR 19093), la Symphonie n° 6 op. 60, qui date de 1880 et a été créée à Prague l’année suivante, est la première à avoir été éditée au XIXe siècle. Elle s’inscrit dans le projet d’une intégrale qui en est déjà à son cinquième volume. Elle fait l’objet d’une splendide version de l’Orchestre de la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern, placé sous la direction de son chef finlandais Pietari Inkinen, né en 1980. Ce musicien s’est déjà fait remarquer dans une intégrale de Sibelius, des partitions de Prokofiev et dans des pages de Wagner. Il devait diriger à Bayreuth cet été, mais en raison de l’épidémie du coronavirus, sa prestation a été reportée. C’est un chef à suivre dans la génération montante. 

Moins souvent jouée en concert que les trois dernières symphonies de Dvorak, la Sixième est significative de ce que l’on a appelé la « période slave » du compositeur. Après un Allegro non tanto au sein duquel plusieurs atmosphères vont se succéder (sérénité, énergie, rythmes de valse), dans une instrumentation soignée, et un Adagio à l’ambiance de nocturne, on entend un irrésistible Scherzo, sous la forme d’un Furiant, danse tchèque d’un dynamisme que Dvorak rend échevelé, et qui aura, lors de la création, un tel impact sur le public qu’il faudra le bisser. On sait que Dvorak et Brahms éprouvaient l’un pour l’autre une grande admiration. La symphonie s’achève dans l’esprit de Brahms, à la fois rustique et chantant, joyeux et d’une grande vitalité. Cette Symphonie n° 6 est une brillante partition, rendue ici par un orchestre très engagé. Les cordes sont souples, les bois et les vents sont en état de grâce instrumental et soulignent toute la dimension bohème inscrite dans la partition. Trois ouvertures, hautes en couleurs, complètent le programme, celles des opéras Vanda (1876) et Coquin de paysan (1878), et l’Ouverture hussite (1883), épique et dramatique. Un CD destiné aux amateurs de pâte orchestrale, dans un son tranchant, mettant bien en valeur les accents et les climats. 

Zdenek Fibich (1850-1900) fait partie de ces compositeurs tchèques qui, en dehors de leur pays d’origine, ont pâti chez nous de la prédominance de Dvorak, Smetana ou autres Janacek. Il est très rare que l’une des partitions de ce musicien originaire de Bohême soit à l’affiche de l’un de nos concerts. C’est injuste, car ce représentant du romantisme et d’un lyrisme inspiré s’est illustré avec bonheur dans l’opéra, la musique pour piano et les pages orchestrales. L’infatigable label Naxos s’est lancé dans une nouvelle intégrale de ces dernières, prenant ainsi le relais des références laissées par les grands chefs tchèques du passé, Vaclav Talich ou Karel Sejna, insurpassables lorsqu’ils chantent dans leur arbre généalogique. Cette intégrale Naxos en est déjà, elle aussi, à son volume n° 5 (c’est le dernier de la série), et c’est la Symphonie n° 3 op. 53 de 1898 qui retient ici notre attention (8.574120). 

Fibich fit des séjours à Leipzig et à Paris et connut un grand succès dans son pays natal où il a été notamment directeur et chef d’orchestre du Théâtre de Prague. Il a écrit cinq symphonies, dont deux sont perdues. Si la première symphonie de 1883 met en évidence la nature et sa transparence, la deuxième de 1892 est d’essence poétique. Quand il compose la Symphonie n° 3, Fibich se rapproche de Dvorak et de sa Nouveau Monde, écrite cinq ans plus tôt, dont il n’oublie pas la fine utilisation du cor. Il prend aussi pour thèmes récurrents ses propres cycles pour piano, dans un contexte léger, animé par des airs populaires, en particulier dans le Scherzo qui manie avec subtilité un rythme de polka. Fibich n’a certes pas le jaillissement et la spontanéité que l’on découvre sans cesse chez Dvorak, mais l’ombre de ce dernier occulte une partition comme cette Symphonie n° 3, dont les lignes sont bien construites et dont la force d’évocation est convaincante. 

A la baguette, c’est Marek Stilek qui officie ; né à Prague en 1985, où il a effectué toute sa formation, ce chef fait lui aussi partie d’une génération qui n’hésite pas à sortir des tiroirs des œuvres peu fréquentées. Dans les quatre premiers volumes de la présente intégrale, il dirigeait l’Orchestre symphonique national tchèque, fondé en 1993 et façonné par Libor Pesek, élève de Vaclav Smetacek et Karel Ancerl, références célèbres pour les enregistrements de maints compositeurs tchèques. Mais cette fois, c’est une autre formation que Stilek dirige, la Philharmonie Janacek d’Ostrava, qui se produit depuis 1954 dans la cité du même nom, troisième de Tchéquie en importance. Le chef et sa formation déploient beaucoup de ferveur et soignent les couleurs d’une partition dont la découverte vaut le détour. Le programme est enrichi par des extraits orchestraux de trois opéras de Fibich : Sarka, La Tempête et La Fiancée de Messine. Leur caractère dramatique en fait un complément réussi. Même si l’on estimera que le son manque de brillance, voilà un CD utile, qui ouvre de beaux horizons à parcourir.

 

Jean Lacroix

 

      

Un article de Jean Lacroix: De l’Opéra de Munich au Festival de Lucerne…

               De l’Opéra de Munich au Festival de Lucerne… 

Le milieu de la musique classique est considérablement impacté par la grave crise sanitaire qui a entraîné une multitude d’annulations de spectacles et de concerts, réguliers ou ponctuels. Le moment est peut-être opportun d’évoquer, par le biais du DVD, deux institutions, l’une, permanente, l’Opéra d’Etat de Munich, l’autre, fleuron des activités de chaque été, le Festival de Lucerne. Un DVD Naxos (2.110660) nous invite, pendant une heure et demie, à la découverte du théâtre bavarois, dont l’existence a été traversée par de multiples malheurs, mais qui, comme le phénix, a toujours pu renaître de ses cendres. Situé à Munich, sur la Max-Joseph Platz, l’Opéra de Bavière peut se targuer d’une histoire qui remonte à l’époque du roi Maximilien Ier (1756-1825). Celui-ci confie à l’architecte Karl von Fischer (1782-1820) la construction d’un théâtre. Le bâtiment, inspiré de façon classique par celui de l’Odéon à Paris, est inauguré en 1818, mais est détruit par un incendie cinq ans plus tard. Malgré le décès de son créateur, la reconstruction est rapide : en deux ans, Léo von Klenze (1784-1864) remet l’Opéra sur pied, dans un style grec néo-classique. Il faudra attendre une centaine d’années, en 1930, pour que des améliorations scéniques (agrandissement et machinerie) soient effectuées. Mais en 1943, l’édifice connaît une deuxième mort : il est détruit par les bombes alliées. La troisième vie du Théâtre sera l’œuvre de Gerhard Moritz Graubner (1899-1970), qui reprend les plans originaux de von Fischer, mais en y ajoutant en façade des colonnes sous la forme d’un portique. Le nouvel opéra, qui peut désormais accueillir 1200 personnes, est inauguré le 22 novembre 1963, avec une représentation des Maîtres-Chanteurs de Nuremberg de Wagner. Depuis lors, il fonctionne à plein régime et a acquis une notoriété tout à fait justifiée. 

Ce DVD Naxos propose une visite complète de l’Opéra, à tous les niveaux de l’effectif imposant qui y travaille, de la responsable de l’accueil à la dame du vestiaire, de l’atelier des costumes à celui des chaussures, de la salle de danse à l’entrepôt des décors, ou aux installations techniques hypersophistiquées qui permettent des changements spectaculaires et rapides en cours de représentation. Sous la conduite de l’actuel directeur, Nikolaus Bachler, mais aussi de son prédécesseur, l’Anglais Sir Peter Jonas (décédé le 24 avril dernier), cette réalisation de 2017 montre les coulisses de cette maison réputée (mais on ne verra pas le directeur musical Kirill Petrenko, qui n’est pas très amateur d’interviews), et donne la parole à des chanteurs lyriques de prestige comme Jonas Kaufmann, enfant de Munich qui s’y produit souvent, ou la soprano Anja Harteros, vedette du lieu. Des images de spectacles en préparation sont les bienvenues, de même que les souvenirs de Zubin Mehta, qui a dirigé l’orchestre pendant plusieurs années. Un DVD très bien filmé par Toni Schmid. 

Passons en Suisse pour évoquer le Festival de Lucerne, créé par Arturo Toscanini en 1938 ; il a accueilli pendant la seconde guerre mondiale des chefs qui avaient fui les nazis, comme Fritz Busch ou Bruno Walter. Des formations prestigieuses s’y sont produites : Orchestres Philharmoniques de Berlin, de Vienne ou de Boston, Orchestre Symphonique de Londres, Gewandhaus de Leipzig… Mais le Festival a son propre orchestre, fondé en 2003 par Claudio Abbado, qui l’a dirigé jusqu’à sa disparition en 2014. Cette année-là, Andris Nelsons a pris le relais, mais Riccardo Chailly, ancien assistant d’Abbado à la Scala de Milan, en est le directeur musical depuis 2015. Il est utile de rappeler à quel degré de qualité Claudio Abbado, né à Milan en 1933, a conduit cette formation. Un coffret de cinq DVD (EuroArts 200078) de 2007 avait réuni des concerts dirigés par ce chef, déjà devenu légendaire, au cours des cinq premières années de l’orchestre. Un autre DVD Accentus (ACC 20319) avait proposé en 2014 le concert donné à la mémoire de Claudio Abbado le 6 avril de cette année-là, au cours duquel la phalange, sans chef, avait interprété l’Allegro moderato de la Symphonie n° 8 « Inachevée » de Schubert, un moment d’une émotion poignante.

 

Alors que le Festival est contraint d’annuler sa programmation de 2020, il est conseillé de revoir des concerts publics des dernières années de Claudio Abbado grâce à un coffret Accentus de six DVD (ACC 70461). Un passionnant voyage d’août 2010 à août 2013. Il débute par une Symphonie n° 9 de Mahler, d’une telle intensité que l’on pourrait la qualifier de métaphysique : lorsque l’Adagio final s’achève, le chef fait baisser les lumières sur la scène, ralentit le tempo jusqu’au silence. Pendant deux longues minutes, main encore levée sur la dernière note, Abbado prolonge ce qui ressemble à un message pour l’éternité, le public, subjugué, demeurant en osmose avec lui dans le respect du secret du message musical. Les applaudissements ne commencent qu’après. Un moment d’intensité extraordinaire, rare et précieux, qui fait comprendre à quel point la musique va au-delà du temps et de l’espace ! La Symphonie n° 5 de Bruckner a été filmée les 19 et 20 août 2011. L’architecture de cette cathédrale sonore est impressionnante, traversée de contrastes puissants, mais aussi de frémissements sensibles, parfois presque ascétiques. Une version pure et granitique à la fois. Mozart est largement présent sur trois DVD des années 2011 et 2012 : une raffinée Symphonie n° 35 « Haffner », des arias chantés avec subtilité et grâce par la soprano Christine Schäfer, la fascinante Waisenhausmesse K. 139 (« Messe de l’orphelinat ») et le Requiem K. 626, chanté dans un climat de ferveur éthérée par Anna Prohaska, Sara Mingardo, Maximilian Schmitt et René Pape. Avec en prime une douce Messe de Schubert en mi majeur, et la noble musique de scène d’Egmont de Beethoven. Le dernier DVD est le concert des 16 et 17 août 2013, filmé quatre mois avant la mort d’Abbado : Ouverture tragique de Brahms dévastatrice, interlude orchestral des Gurre-Lieder de Schönberg et Héroïque de Beethoven, qui allie l’élégance à la majesté du ton et à la respiration. Tout semble couler de source. Héroïque, oui, au sens plein du terme, comme la carrière et la personnalité de ce chef d’orchestre d’exception, qui nous manque : des témoignages à marquer de plusieurs pierres blanches.

 

 

Jean Lacroix